Es ist heutzutage schwierig, als Chorsänger nicht mindestens ein oder zwei Werke des amerikanischen Komponisten Morten Lauridsen zu kennen. Seine prachtvollen, wohlklingenden Kompositionen (ich denke da insbesondere an „O magnum mysterium“ und „Lux Aeterna“) sind bei Chören wegen ihrer eingängigen Melodien und lebendigen Harmonik so beliebt, die das gesamte Ensemble in einen wohltuenden Klang hüllen. Auch das Publikum liebt sie, denn sie entfaltet vielfältige, tiefgreifende und emotionale Wirkungen, die von dieser Musik ausgehen, die sanft und warm umschmeichelnd wirken oder selbst den größten Raum mit einem Crescendo schimmernden Klangs erfüllen kann. Kein Wunder, dass seine Werke so oft aufgeführt werden: Es muss ein Genuss sein, diese Musik zu singen. Und wer bei den ersten Klängen von „Lux aeterna“ nicht dahinschmilzt, kann gleich seine Ohren wegwerfen.
Schon die melodischen Phrasen der ersten Takte von Morten Lauridsens „Lux aeterna“ (1995) für Chor, Streicher und Bläser lassen erahnen, dass dieses Werk die Seele berühren wird – es ist schlichtweg außergewöhnlich schön. Sein sanfter, modaler Streicherkontrapunkt leitet eine warm umhüllende Welle von Chorgesang ein, die direkt ins Herz trifft. Seine tröstliche Intensität – und der Klang selbst – machen es zu einem nahen Verwandten des Fauré-Requiems; auch mit Brahms’ Deutschem Requiem besteht eine gewisse Verwandtschaft. Alle drei Werke, wie Byron Adams in seinen lesenswerten Booklet-Texten hervorhebt, entstanden zum Tod der Mütter ihrer Komponisten. Obwohl Lauridsen auf die strengere Tonsprache der frühen Polyphonie zurückgreift (Adams verweist ausdrücklich auf Dunstable und Taverner), die seine Technik teilweise nachahmt, verliert die Musik nie ihre grundlegende Sanftheit. Der offensichtliche Ausgangspunkt in der amerikanischen Musik ist das Werk von Samuel Barber, und wie er greift auch Lauridsen zur Oboe, wenn er eine besonders schöne Melodie zu entfalten hat, zu Beginn von Lux aeterna (hier übrigens exquisit gespielt); sie kehrt am Ende zurück, um das Werk abzurunden; es gibt auch ein kurzes, aber wunderbares Cello-Solo, das nahelegt, dass jemand ein Konzert bei ihm in Auftrag geben sollte.
Der Rest der CD ist für A-cappella-Chor. Die Madrigali von 1987 – die Lauridsen aufgrund der Verwendung eines „Feuerakkords“ zur Vereinheitlichung des gesamten Zyklus „Feuerlieder“ tauft – klingen ein wenig wie Gesualdo, gefiltert durch Barbers Einflüsse. Die reichen Harmonien von Barbers Klangwelt (wie in seiner Reinkarnation, einem so schönen Werk, dass man bedauert, dass er nicht öfter auf den Chor setzte) dienen dazu, die ausdrucksstarken, oft chromatischen Gesten des italienischen Barock zu umhüllen. Das vierte Madrigali, das tief empfundene „fo piango“ („Ich weine“), bildet sein emotionales Herzstück, wo der häufige Rückgriff auf Dissonanzen darauf hindeutet, dass es für das gequälte Herz keine Erlösung geben wird. Lauridsen stellt das Gleichgewicht mit den tänzerischen Rhythmen des folgenden Madrigals wieder her: "Luci sereni e chiare" ("Augen heiter und klar").
Die drei Motetten, die das Programm vervollständigen – "Ave Maria" (1997), "Ubi caritas et amor" (1999) und "O magnum mysterium" (1994) – führen uns zurück in die einhüllende, tröstliche Klangwelt von Lux aeterna, obwohl "Ubi caritas et amor" mit einem nüchternen Auftakt aus dem Gregorianischen Choral beginnt. Das Außergewöhnliche an diesen Stücken ist, wie wenig Zeit Lauridsen benötigt, um die musikalische Dynamik zu steigern: Sobald er nach dem Choral von "Ubi caritas et amor" (zum Beispiel) seine eigene Harmonik etabliert hat, lässt er die Soprane einen kleinen Sprung machen, dessen Schönheit den Zuhörer innehalten lässt.
Dies ist fesselnde und anspruchsvolle Musik, die eine breitere Aufführung verdient. Es kommt selten vor, dass ich beim Rezensieren einer Aufnahme mit den Tränen kämpfe, aber ich gestehe gern, dass Lauridsen mich diesmal immer wieder aufs Neue berührt hat. Ich kann diese CD nicht besser empfehlen. Hören Sie sie so schnell wie möglich!
